La cocotte en papier faite à partir d’un joli papier de couleur plié, tout le monde connaît. C’est à partir de cette technique que le designer graphique Jeremy Kool a construit sa renommée en créant l’origami 3D. Une façon originale de revisiter un art millénaire tout droit venu d’Asie.

Le pliage version 3D

Originaire de Melbourne en Australie, Jeremy Kool est ce que l’on pourrait appeler un expert en origami version numérique. Il sait comme personne manier les logiciels et la palette graphique pour reproduire l’art de plier le papier. Un travail étonnant, tant par son réalisme que par l’imagination débordante de cet homme.
Des projets plein de la tête, Jeremy Kool a créé une série d’animaux en origami 3D, qu’il a appelée « The paper fox ». Son but à l’époque ? Gagner suffisamment d’argent pour concevoir un livre numérique interactif destiné aux enfants. Lui et sa sœur Amanda, auteur de l’ouvrage, ont ainsi allié leurs talents pour enrichir la littérature jeunesse d’un support audacieux exclusivement numérique. Malgré l’absence de papier, les images travaillées sous forme d’origamis sont criantes de réalisme et inspireront sans aucun doute nos petites têtes blondes.

L’origami au service des marques

Intéressé par la créativité de l’australien Jeremy Kool, le fabricant de tissus Textyle lui a lancé un defi : utiliser ses produits pour imaginer des créatures 3D en origami. Pari réussi pour le designer, qui a conçu une campagne de publicité très originale en donnant vie à six animaux. Ce support, à la fois papier et en ligne, a été appelé « Bringing fabrics to life ».
D’un point de vue graphique, c’est aussi une mission accomplie ! Jeremy Kool a en effet pu rendre visible les effets du pliage et mettre en valeur les différents jeux de volume, comme on peut le voir avec l’origami classique. La version 3D est donc à la hauteur de son ancêtre papier, faisant de cet artiste le maître de l’illusion.
Un coup de génie pour l’industriel Textyle, qui a ainsi revisité des produits peu glamour en misant sur la créativité de Jeremy Kool.

Audace, originalité, créativité…Trois mots qui qualifient finalement cet artiste devenu le référent en origami version 2.0.

Pour en savoir plus sur le projet de Jeremy de livre numérique (en anglais) : https://vimeo.com/28337832

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Autodidacte sinon rien

Malgré le talent qu’elle déploie, Maria Grønlund n’est jamais passée par la case formation ou par une grande école de design. Sa réussite, elle ne la doit qu’à elle-même et à son intarissable curiosité. De son travail, elle n’attend rien, sinon se faire plaisir.

Aussi, quand elle évoque les logiciels de création graphique comme Illustrator, elle ne perçoit pas leur complexité ou leur côté un peu impressionnant. Décidée à apprendre par elle-même le fonctionnement de ces logiciels, elle ne marche qu’à l’instinct. Elle ne s’autorise alors qu’une seule contrainte : découvrir un outil par jour. Mais l’aborder avec ses yeux extérieurs, en tâtonnant, en essayant et en laissant parler son intuition. Et quelle intuition pour cette graphiste danoise !

L’abstraction au cœur de l’art

Pour puiser son inspiration, Maria Grønlund travaille essentiellement à partir de formes organiques comme les fleurs, l’encre en suspension dans un liquide ou la fumée. Elle recherche l’esthétisme de ces formes et en étudie les couleurs pour arriver à un visuel plutôt abstrait aux couleurs éclatantes. En superposant les outils, les couleurs et les formes, elle leur donne du relief ou de la force.

Et quand on lui demande comment interpréter ses dessins numériques, elle reste évasive, laissant à chacun la possibilité de faire parler la sensibilité. Pour elle, l’art est très personnel et chaque personne est libre de l’apprécier à sa façon. L’image des nuages, qu’elle donne en comparaison, illustre parfaitement sa vision car en regardant un nuage, certains y verront un lapin, quand d’autres apercevront un mouton. Un esprit affranchi pour un travail qui l’est tout autant.

Avec la liberté comme crédo, son talent ne fait plus aucun doute dans le milieu artistique. Pour preuve de sa réussite, l’une de ses créations est devenue l’identité visuelle d’Adobe max 2014.

Finalement, devant tant de génie, on peut s’interroger sur la place de l’instinct et de l’intuition dans la création graphique. Alors feeling ou didactique ?

Un exemple de communication présenté par SAORI agence de communication Lyon Nord

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Plus qu’une originalité, un besoin

L’idée de créer un pont reliant Malmö en Suède et Copenhague au Danemark ne date pas d’hier, car il y a 15 ans rien ne permettait de faire le lien entre le continent européen et la péninsule scandinave. La question était en suspens depuis plus d’un siècle.

Il faudra attendre le 1^er juillet 2000 pour que le pont-tunnel, réalisé sur le détroit du Sund, soit inauguré après 5 années de travaux et trois milliards d’euros d’investissements.

Résultat ? Avec ses 16 km de long et 60 mètres de hauteur, le pont-tunnel constitue le plus long pont à haubans du monde. Un exploit accompli par l’architecte danois Georg Rotne, qui fait figure de prouesse, et que l’on qualifie régulièrement de petit bijou technologique.

Double emploi

Habituellement, un pont est un pont et rien de plus. Or, celui d’Oresundsbron a la particularité d’être également un tunnel. Une utilisation multiple et fort surprenante, justifiée notamment par la présence de l’aéroport de Copenhague à proximité de l’arrivée du tunnel. En effet, après avoir emprunté le fameux pont, celui-ci plonge d’un coup dans la mer à partir d’une petite île artificielle faisant penser à un porte-avion. Un voyage étonnant, qui peut être fait par les automobilistes sur l’autoroute qu’accueille le pont, et par les trains puisqu’il comporte aussi une ligne de chemin de fer. Un ouvrage d’art peu commun qui vaut le détour !

Quel intérêt ?

L’intérêt en termes de design architectural est indéniable, mais il n’est pas le seul à compter dans la réussite de cet ouvrage d’art.

Grâce au pont-tunnel, des pôles de compétences, notamment en biotechnologies et télécommunications, ainsi que des échanges économiques ont pu voir le jour ; choses qui n’existaient pas auparavant dans la région. Avec plus de 25 millions de visiteurs chaque année, cette zone géographique brille désormais pour sa compétitivité, sa croissance et son excellence.

Un modèle à suivre donc et une prouesse à renouveler !

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par Patricia – agence de communication SAORI – Graphiste à Villefranche sur Saône

Les maths au service du design

Qui eût cru que mathématiques et conception graphique pourraient être intimement liées ? Pourtant, tout semble reposer sur le nombre d’or découvert en 1860 par Gustav Theodor Fechner, physicien et psychologue. Garant de l’équilibre du monde et artistique, sa valeur de 1.618 serait celle du nombre Phi, lui-même découvert par le mathématicien italien Leonardo Fibonacci.

Un nombre qui pourrait paraître tout droit sorti du chapeau, mais qui n’a rien d’hasardeux. En effet, Phi nous entoure, il est partout dans la nature environnante. Un peu mystique, n’est-ce pas ? Or, il s’affiche comme responsable de l’équilibre parfait. La preuve en est, la célèbre peinture de Léonard de Vinci, Mona Lisa, serait peinte à partir de ce chiffre, tout comme les pyramides d’Égypte ou les cartes bancaires. Vous doutez encore ? Le nombre d’or est partout !

Et les logos ?

Vous l’acceptez désormais, le nombre d’or est à la base de toute création artistique réussie et les logos n’échappent pas à la règle. Basés sur les notions d’équilibre et de proportions, les logos conçus à partir de Phi semblent retenir davantage l’attention et rester gravés dans la mémoire.

Notons également l’importance de la grille d’or en création graphique, qui permet une mise en page harmonieuse et visuellement bien proportionnée grâce à l’utilisation de la ration 1/1.16 de Phi.

Phi chez les marques

Pour illustrer la prédominance du nombre d’or dans les logos, prenons un exemple très parlant, celui du National Geographic. Très simple en apparence avec son rectangle jaune, le logo du célèbre magazine a été conçu selon des calculs mathématiques précis. Si l’on divise la longueur du rectangle par sa largeur, qu’obtient-on ? Le nombre d’or !

Il en va de même pour le logo de Pepsi, récemment simplifié. Qu’observe-t-on ? Deux cercles proportionnels, dont la proportion est encore une fois égale à 1.618.

Alors peut-on encore parler de hasard quand de grands groupes se basent sur ce nombre pour concevoir des logos efficaces ? Pas si sûr.

Finalement, le quelque peu mystique nombre d’or, dont les multiples vertus mathématiques n’ont pas fini de faire parler d’elles, semble prêt à conquérir les tablettes graphiques de nous autres designers. Des logos aux proportions mathématiques parfaites qui pourraient bien être la clé de votre succès !

Exemples de logos conçus avec le nombre d’or :

Illustration du concept de grille d’or :

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Passion d’enfance

Écolier, Jasenko Đorđević sculptait déjà des formes 3D en format miniature et prenait du plaisir à voir se métamorphoser à sa guise de petits objets.

Devenu adulte, la passion est toujours présente. Puisant son inspiration dans l’œuvre de  Dalton Ghetti, un charpentier reconverti en sculpteur, l’artiste bosniaque a lui aussi choisi d’afficher sa signature sur le graphite. C’est en 2010 qu’il va commencer à être médiatisé grâce à ses publications sur les réseaux sociaux. Le début d’une belle success-story !

Lorsqu’on l’interroge sur un tel choix, il se dit charmé par le côté à la fois fragile et dur de ce matériau. Pour lui, c’est un challenge réitéré à chaque nouvelle œuvre d’art, car le moindre mauvais geste, la moindre inattention, peuvent générer des fissures et réduire à néant le travail accompli.

Dans les moindres détails

Tenant habilement son couteau et son petit burin, Jasenko Đorđević prend le temps nécessaire pour accomplir une telle prouesse artistique. Son souci du détail subjugue autant qu’il interpelle. En effet, l’artiste parvient, selon son inspiration du moment et dans un espace d’expression miniature, à sculpter des fleurs, des animaux, des objets et même des portraits. Notons que pour apprécier le niveau de précision et le travail d’orfèvre de Jasenko,  ses sculptures s’affichent régulièrement sous une loupe grossissante. Un outil indispensable !

Enfin, après des heures de travail, le graphite, ce minéral dur et noir, disparaît peu à peu sous sa griffe, laissant l’impression que les sculptures sont conçues à partir d’un autre matériau.

En cette semaine de rentrée, les trousses de vos enfants sont encore bien garnies. En observant les œuvres de Jasenko Đorđević, peut-être serez-vous tenté, vous aussi, de tester vos talents de sculpteur sur les crayons de papier de votre progéniture !

Appréciez l’étendue du travail de l’artiste sur sa page Instragram : https://instagram.com/toldart/

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Gros plan sur les animaux

C’est dans une nature encore préservée et abondante que Hendy Mp a posé son objectif. Ce photographe animalier basé à Sambas a choisi d’inscrire les espèces sauvages sur papier glacé. Hasard ou talent particulier, il parvient à s’emparer de l’instant précis où l’animal entre en jeu et prend des pauses inattendues. Amphibiens, insectes et autres reptiles composent ainsi la collection de cet artiste. Des photos toutes plus surprenantes les unes que les autres, dans lesquelles nos amis animaux n’hésitent pas à poser et à nous révéler leurs secrets. Le don de Hendy Mp lui a d’ailleurs valu de nombreux articles dans la presse et en fait aujourd’hui un artiste à part entière.

Il était une fois une grenouille

C’est à quelques pas de son domicile que Hendy Mp a fait un cliché devenu incontournable : la grenouille faisant du rodéo sur le dos d’un scarabée rhinocéros. Une parenthèse que le photographe a su capter avec talent et qui met en lumière toute la magie de la nature sauvage. Il semblerait même que cette délicieuse petite grenouille s’amuse tout particulièrement sur le dos de son congénère. Ce cliché cocasse a ainsi fait le tour du monde, interpelant par sa singularité et la tendresse qui en ressort.

Les photographies de Hendy Mp surprennent enfin autant qu’elles valorisent une nature fragile et des espèces parfois menacées. Sans doute une façon pour l’artiste de témoigner de la beauté indonésienne et de mettre le projecteur sur l’importance de prêter plus attention à ces animaux.

Découvrez le portfolio de Hendy Mp sur : https://500px.com/Hendy_Mp

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Un amour de barbe

C’est par passion pour sa longue barbichette, qu’Isaïe Webb a décidé en septembre 2012 de la mettre en scène et d’en poster une photo sur Facebook. À sa grande surprise, le succès est immédiat et le cliché est partagé des milliers de fois par les internautes. Le personnage de Mr Incredibeard, qu’il incarne encore à ce jour, vient de naître.

Une créativité exacerbée

Sculptures de barbe ou barbe-artisanat, il fait de ses attraits physiques une œuvre artistique des plus originales. Aussi, tandis que certains se contentent de la tailler ou de la peigner, Isaïe Webb préfère modeler sa barbe en tous sens. Parapluie, peace end love, bonhomme de neige, corne d’abondance ou pieuvre, son imagination est sans borne. Armé de sa bouteille de laque et doté d’une habileté incroyable, il donne vie à sa barbiche dont il poste chaque semaine une création sur les réseaux sociaux. D’ailleurs, les personnes qui le suivent sont de plus en plus nombreuses, captivées par ce Mr Incredibeard qui a fait de ses attributs masculins la source de son art.

Une barbe éthique

Il aurait pu s’enrichir grâce à sa barbe, mais il a préféré mettre ses créations au service des autres. En effet, face au succès de ses sculptures en barbe, il a créé la boutique Incredibeard, qui commercialise des tee-shirts et des produits de soin pour la barbe. Une partie des bénéfices est ensuite reversée à l’association World Vision, qui permet aux enfants d’accéder à l’eau potable dans les pays défavorisés. Une barbe décidément étonnante, tant par sa générosité que par son excentricité.

À l’heure où les barbus ont la côte et où les hommes n’hésitent plus à l’afficher, Isaïe Webb fait figure de précurseur. Une façon de nous montrer que la créativité artistique n’a d’autres limites que celles que l’on se donne !

Pour découvrir les meilleurs créations de Mr Incredibeard, rendez-vous sur son compte Instagram : http://instagram.com/incredibeard

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Une histoire de famille

Issue d’une lignée d’artistes, Anka Zhuravleva intègre à 17 ans l’Institut d’Architecture de Moscou, bien décidée à marcher sur les pas de sa mère. Mais, la mort de ses parents quelques mois plus tard compromet temporairement son avenir artistique. Aussi, après plusieurs jobs passagers, notamment comme tatoueur et mannequin, elle rejoint le département de post-production à la Mosfilm Studios. Elle va y rencontrer l’homme qui va tout changer : Alexander Zhuravlev. Ce musicien lui fait mener la dolce vita et lui fait oublier son chagrin. Une renaissance pour Anka Zhuravleva, qui va dés lors pouvoir exprimer sa joie de vivre dans l’art.

Une artiste polyvalente

Bien que photographe émérite, Anka Zhuravleva n’a pas toujours chatouillé l’objectif. Ce n’est qu’après s’être essayée aux arts visuels et à la peinture à l’huile qu’elle choisit l’appareil photo comme outil de travail. En effet, en 2006, elle prend conscience que sa principale source d’inspiration est les photos qu’elle visualise dans les journaux, les magazines ou partout autour d’elle. Elle y voit alors la possibilité de faire parler ses émotions et de se créer un univers très personnel.

La femme, une muse d’exception

Quand d’autres choisissent d’inscrire les paysages ou les événements sur papier glacé, notre photographe russe préfère immortaliser les femmes. Ni prises de vue sur le vif, ni place pour l’improvisation, mais des scènes très travaillées où la gravité côtoie des décors fantasmagoriques. Les clichés d’Anka Zhuravleva montrent majoritairement des femmes élégamment vêtues, comme portées en apesanteur dans un décor sur mesure. Une griffe à la fois poétique et intrigante, vivante et irréelle, qui définit le travail de l’artiste.

Après avoir multiplié les expositions, collaboré avec des magazines et fait de nombreuses couvertures, Anka Zhuravleva a su imposer son style. L’objectif est donc atteint !

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L’inspiration de départ

Lorsqu’il a commencé son travail artistique il y a 3 ans en sculptant un poulpe, Keng Lye s’est inspiré du peintre japonais Riusuke Fukahori. Il a toutefois rapidement pris son envol en se détachant de son mentor et en trouvant sa propre empreinte. Avec des créations sortant de leur surface plane initiale, il a affirmé sa griffe et ne l’a plus lâchée depuis.

L’alchimie de la 3D

Face à une création de Keng Lye, tout prête à croire que ces animaux ont été capturés vivants ou qu’il s’agit de photos, tant l’effet visuel est parfait. Aussi, depuis 2012, ce dernier a-t-il choisi de prendre la nature sur le vif en composant des sculptures peintures faites de couches successives d’acrylique et de résine. Aucun logiciel 3D ou outil numérique ; juste une retranscription incroyable du réel et un souci du détail poussé à l’extrême. Les œuvres obtenues séduisent ainsi autant qu’elles n’interpellent par leur réalisme.

Sur le chemin de la perfection

Cherchant à améliorer sa pratique, le jeune artiste s’est aperçu que le rendu 3D pouvait être encore travaillé grâce à l’adjonction de matériaux. En ajoutant graines, cailloux et coquilles d’œufs, il a pu apporter davantage de perspectives à ses créations pour un rendu plus saisissant et un effet 3D quel que soit l’angle de vue. Après avoir peint, posé le socle de sa sculpture, et peint de nouveau, Keng Lye verse des couches successives de résine dans les récipients choisis pour accueillir son œuvre. Boîtes de conserve, sacs plastiques ou petite boîte en bois, ces contenants de notre quotidien ancrent plus encore l’œuvre du peintre sculpteur dans la réalité.

Illusion ou effet d’optique, magie ou réalité, les œuvres de Keng Lye n’ont finalement pas fini de nous envoûter !

Pour faire durer le plaisir, suivez l’actualité de Keng Lye sur Facebook.

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Le jour où tout a commencé

Jamais cette artiste originaire d’Afrique du sud n’aurait imaginé qu’une boîte de perles serait à l’origine de sa carrière artistique. Alors étudiante en arts à l’université du Massachusset, elle cherche à créer une petite boîte en forme d’oursin avec un compartiment secret renfermant une perle. Cette dernière ne serait accessible qu’en tirant doucement l’épine de l’oursin. Une création difficile à réaliser pour représenter à la fois le côté piquant de l’oursin et une variété suffisante de teintes .

Après de multiples essais avec divers matériaux, la technique du perlage s’est imposée, de même que l’utilisation du crayon de couleur qui, découpé en tronçons d’un pouce et percé en son sein, permettait de donner vie à cet animal marin.

A la pointe de l’inspiration

Première source d’inspiration de Jennifer Maestre, l’oursin a ensuite été décliné au gré des sculptures de l’artiste. Formes animales, marines ou végétales, toutes ses oeuvres ont un point commun : elles attirent autant qu’elles repoussent. En effet, devant la beauté des couleurs et la précision des formes, l’envie de caresser l’oeuvre se fait sentir. Mais rapidement, la pointe aiguisée à l’extrême du crayon rappelle que ce simple geste est impossible. Une duplicité largement mise en avant dans les sculptures de Jennifer Maestre et qui fait de chacune un ensemble à la fois brutal et délicat, attirant et repoussant. De quoi piquer de curiosité de chacun d’entre nous !

Finalement, récompensée par plusieurs prix artistiques et reconnue par ses pairs dans le monde entier, Jennifer Maestre fait aujourd’hui partie des artistes qui comptent. Une lueur d’espoir pour tous ceux qui pensaient jusqu’ici les crayons réservés au seul coloriage !

Toutes les informations sur : http://www.jennifermaestre.com/

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